L’exposition Game Story est organisée par la Rmn – Grand Palais avec la collaboration du musée national des Arts asiatiques Guimet et de l’association > MO5.COM. Cette exposition marque la réouverture de la Galerie sud-est, nouvel espace d’exposition au Grand Palais. 10 novembre 2011 – 9 janvier 2012

Apparu au début des années 1970, le jeu vidéo est un média jeune qui n’a cessé d’évoluer et de se perfectionner jusqu’à devenir de nos jours une industrie culturelle majeure.
Dès son apparition, ce nouveau média a fait l’objet de nombreuses discussions et analyses s’intéressant essentiellement à l’impact social ou personnel de son utilisation. Cette exposition vise donc à l’aborder sous un angle différent, esthétique et culturel.

Une histoire technique et esthétique

L’histoire des jeux vidéo s’est écrite en lien étroit avec l’évolution technique qui a permis aux créateurs de proposer des univers et des expériences de jeu de plus en plus riches et diversifiées. Grâce à des composants informatiques toujours plus puissants, chaque nouvelle génération de matériel de jeu vidéo a vu s’élargir la gamme des possibilités de création aussi bien pour les aspects visuels que pour les musiques, les sons et l’interactivité.

Les premiers jeux vidéo étaient constitués de gros carrés blancs ; les plus récents bénéficient de la haute résolution, voire de la 3D, et présentent une variété infinie de styles graphiques et d’univers visuels. Les premiers sons étaient de simples bips électroniques ; aujourd’hui, des musiques symphoniques, véritables bandes originales, sont composées spécifiquement pour des jeux vidéo. Les manettes des premiers jeux vidéo comportaient un seul bouton permettant de déplacer une raquette de gauche à droite sur un écran ; aujourd’hui, les consoles peuvent détecter les mouvements des joueurs qui deviennent eux-mêmes interface de jeu.

Tout au long de l’histoire du jeu vidéo, image, son et interactivité ont évolué de concert avec la technique. Il existe ainsi des périodes stylistiques marquées par une « ambiance » visuelle et sonore spécifique et par une offre particulière en matière d’interactivité.

Une histoire culturelle

Au-delà de l’esthétique et de la technique, l’histoire du jeu vidéo est aussi une histoire culturelle des nouveaux imaginaires contemporains nés de la rencontre entre des fonds culturels des États-Unis, du Japon et de l’Europe, et plus spécifiquement de la France qui occupe un rang majeur dans ce domaine. A travers des supports de création aussi divers que le cinéma, le dessin animé européen, la bande dessinée franco-belge, les comics américains, les mangas japonais, l’« anime » japonaise, les séries télévisées américaines, de nouveaux univers se sont créés. Ils sont autant de sources pour le jeu vidéo qui en retour les inspire.

L’histoire du jeu vidéo est également l’histoire du design industriel et du graphisme, visibles dans la forme des consoles, la mise en page des magazines spécialisés ou encore les boites des jeux et les publicités. Ce sont de véritables « ambiances visuelles » d’époque que l’exposition évoquera à travers divers objets liés au jeu vidéo et aux autres supports des nouveaux imaginaires.

Des clés de compréhension et des jeux jouables

La progression des études sur l’histoire esthétique et culturelle du jeu vidéo permet de proposer au public, même totalement néophyte, une histoire des styles et des clés de compréhension ou d’identification des jeux. C’est là ce que l’exposition se propose de faire, à travers un parcours organisé par sections chronologiques dans lesquelles le visiteur pourra s’initier, sur des matériels d’époque en parfait état de fonctionnement, aux différents jeux vidéo essentiels de chaque période.

Horaires d’ouverture

Tous les jours (sauf le mardi) de 12h à 22h
Fermé le mardi et le 25 décembre
Fermeture anticipée à 18h le 24 décembre et le 31 décembre

Tarifs

Plein tarif : 8€
Tarif réduit : 6€
Entrée simple famille 4 personnes : 22€

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Les hommes viennent de Mars et les femmes de Vénus est le nom du best-seller de John Gray, connu pour sa théorie sur les différences qui séparent les deux sexes. A travers cet ouvrage, il souhaitait transmettre ses réflexions de spécialiste en thérapie conjugale et donnait des exemples de la vie de tous les jours pour faire progresser son couple. Ce livre est un véritable guide !

Paul Dewandre est un peu le représentant officiel de John Gray en France. Grâce à cette pièce, il nous livre une approche théâtrale du best-seller. Au programme, une véritable thérapie de couple. Ou comment apprendre à communiquer avec sa moitié lorsqu’on ne parle pas du tout le même langage…

Tout est dans le titre. Mars, dieu de la guerre. Venus, déesse de l’amour. En quoi hommes et femmes sont-ils différents ? Malgré ces différences, comment peut-on arriver à communiquer, à se comprendre ? Un couple ça fonctionne ou dysfonctionne comment et pourquoi ?

Résultat : Échanges de regards, coups de coudes et on se met spontanément à réfléchir à ses rapports avec l’autre pendant et aussi après le spectacle.

Les hommes viennent de Mars et les femmes de Vénus

D’après le best-seller de John Gray

Au théâtre du Gymnase Marie-Bell.

Un spectacle de et par Paul Dewandre

Mise en scene de Thomas le Douarec

Du 7 juillet 2011 au 21 janvier 2012

Robert Pattinson (Edward Cullen) et Ashley Greene (Alice Cullen) feront le promotion du quatrième volet de Twilight au Gaumont Capucines (2, bd des Capucines – 75009 Paris). 500 fans pourront ainsi venir à la rencontre de leurs acteurs et leur poser directement des questions dans le cadre du cinéma.

Dans ce nouvel épisode, Bella et Edward se marient (enfin), et profitent de leur lune de miel au large des côtes brésiliennes, sur l’île d’Esmée. Petit hic à leur bonheur, Bella tombe enceinte et le fœtus aspire toute son énergie… Et sa grossesse ne va pas plaire à tout le monde ! Car l’arrivée d’un bébé hybride mi-humain mi vampire n’enchantent ni les loups garous, ni les vampires. En effet, le nouveau né pourrait devenir une menace pour les deux clans…

Alors tous à vos agendas : Robert Pattinson sera à Paris le 23 octobre et le nouveau volet de Twilight sortira le 16 novembre prochain.

Voici la bande annonce en français :

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Après 4 albums et 200 000 exemplaires vendus dont l’album « Salt Rain », récompensé par le prix de la Révélation de l’année aux BBC Music Awards voilà quasiment une décennie, la chanteuse anglo-indienne Susheela Raman revient en France avec « VEL », un nouvel album folk teinté de soul, et délicatement relevé de musique traditionnelle indienne. Susheela Raman a simplement créé une musique du monde, une musique de son monde…

La musique de Susheela Raman ne ressemble à aucune autre, sans doute parce que son parcours musical est unique en son genre.

Ses parents, originaires du Sud de l’Inde, lui transmettent par la musique traditionnelle « carnatique » ses racines et sa culture orientale. Mais à l’adolescence, c’est vers l’Occident que se tourne la chanteuse en herbe qui monte un groupe de funk et écume bars et boîtes de Sydney où a immigré sa famille.

Quelques années plus tard, assagie et forte de l’enseignement musical d’une grande chanteuse hindoustani, la belle Indienne s’installe à Londres et contacte le label Real World. Elle intègre alors Joi, combo anglo-indien qui brasse allègrement musique indienne, deep house, jungle et new-age, ouvrant la voie à un mouvement asian vibe en pleine effervescence. Une expérience enrichissante pour la chanteuse, mais pas à la mesure de ses aspirations.

C’est sa rencontre avec le guitariste et producteur Sam Mills qui va lui permettre de se réaliser pleinement. Avec lui, elle finit par trouver son propre style, qu’elle définit comme la musique de la réconciliation.

Son album, « Salt Rain » (2001), est en effet le point de convergence entre ses différentes influences culturelles et musicales. Elle y reprend entre autres des chants « carnatiques » qu’elle interprète tout à fait librement. Merveilleusement mise en avant par d’excellents musiciens venus de tous les horizons, sa voix de sirène s’envole et vibre sur fond de cordes, de percus et de sons étranges.

En anglais, en sanskrit, en telugu ou en hindi, la chanteuse de 27 ans prouve qu’elle est la hauteur de son double héritage. Sonorités urbaines occidentales et mélodies indiennes fusionnent sans s’étouffer pour donner un style tout à fait nouveau. Un métissage réussi pour cette artiste engagée qui nous livre avec force et émotion son message d’amour et de liberté.

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Voici aussi ses dates de tournée:

Ce travail s’est progressivement agrandi depuis son commencement en 2009, et propose une gamme extrêmement variée de sujets et d’images qui défie certainement les tentatives de taxonomie.

L’utilisation du café soluble et de sous-tasses, medium inattendus mais somme toute ordinaires, reflète parfaitement la nature du contenu et établit humblement la noblesse de l’imagination. Dans ce travail, l’imagination n’est pas l’apanage exclusif de l’artiste capricieux, ni même celui de l’enfant inarticulé, au contraire, c’est un pouvoir revendiqué par un acte de volonté mature, à la disposition de chacun d’entre nous, tel un droit fondamental faisant partie de notre humanité.

Par ailleurs, Géraud Soulhiol s’amuse avec l’histoire de l’art. Traditionnellement, les Vanités étaient censées rappeler la nature éphémère de l’existence terrestre, avec le mélange d’objets assemblés en “nature morte”, symboles de la foi extravagante portée aux affaires de ce monde. Mais bien sur, ceci servait également de parfaite justification pour dépeindre toutes sortes de beaux et pulpeux produits et offrait ainsi aux artistes une excellente opportunité pour démontrer leur virtuosité au monde. La nature délicate et fugitive des œuvres de Géraud Soulhiol suggère, de la même façon, la fluidité transitoire du monde des choses, mais témoigne aussi bien du plaisir de la créativité spontanée.

Vernissage Jeudi 8 septembre de 18h à 21h.

Projective City

34 rue Hélène Brion

75013 Paris

T. 06 48 21 05 22

www.projectivecity.com

Horaires : du mercredi au samedi et sur rendez-vous.

La série des Antichambres, saisie en Pologne, dans les lieux d’asile ou de rétention des migrants tchétchènes présente la part philosophique. La forme parfaitement ciblée de l’esthétique documentaire y prend à contre pied les standards visuels de la photo reportage, chaque image s’affirmant à la fois dans son autonomie et dans sa relation à la série, pour créer un système de mise à distance de ces espaces inappropriables où toute figure est absente.

En contre point de ces espaces précarisés, Les Présidents fait apparaitre ces figures tutélaires de la sédentarité nationale. Photographies officielles des Présidents de la République française recadrées sur les visages, elles sont ici confrontées à ces lieux de nulle part que construisent les politiques migratoires.

Aux États-Unis autour des lieux de l’abolitionnisme, en Finlande autour de l’architecture d’Alvar Aalto, au Portugal autour des chantiers du port, sur le territoire français comme ailleurs, l’œuvre de Philippe Bazin ne cesse de susciter la question du commun, dans la direction des regards comme dans l’ordre des espaces. Mais jamais l’austère beauté des images n’y masque la violence du réel : elle ne fait au contraire que s’en saisir avec une redoutable subtilité.

Vernissage Jeudi 8 septembre de 18h à 21h.

Marion Meyer Contemporain

3 rue des Trois Portes

75 005 Paris

T. 01 46 33 04 38  /  F. 01 40 46 91 41

www.marionmeyercontemporain.com

Horaires : du mardi au samedi de 11h à 19h et sur rendez-vous.

Lorsqu’elle meurt à New York en 1985, cette jeune femme n’est connue que d’un cercle restreint. Son œuvre radicale n’a été exposée que de façon relativement confidentielle depuis 1976, et c’est l’exposition du New Museum of Contemporany Art, en 1987 à New York, qui commence à mettre en lumière la force de ce travail.

Multipliant les techniques d’expression (dessins, sculptures, vidéos, photographies, installations), l’œuvre de Mendieta explore sans concession les relations du corps et de la nature, les légendes américaines ancestrales et les éléments (eau, air, terre, feu), croisant ce qu’on a pu appeler body-art et land-art.

Depuis 1991, la Galerie Lelong de New York, représente en exclusivité la succession de l’artiste, a mené un important travail de recherche et d’expositions qui a conduit à des publications rétrospectives muséales faisant qu’aujourd’hui Ana Mendieta est universellement reconnue comme une créatrice majeure dont l’œuvre ne cesse de féconder l’imaginaire de nouvelles générations d’artistes.

Vernissage Jeudi 8 septembre à 18h

Galerie Lelong

13 rue de Téhéran

75 008 Paris

T. 01 45 63 13 19  /  F. 01 42 89 34 33

www.galerie-lelong.com

Horaires : du mardi au vendredi de 10h30 à 18h. Le samedi de 14h à 18h30.

Depuis longtemps concerné par l’empreinte du christianisme sur notre culture, Gérard Garouste a choisi d’explorer le mythe de Faust tel que Goethe le présente en 1808, celui d’un homme qui dispute son destin au Diable et à Dieu.

Huiles sur toile, gouaches et bronzes interrogent les grands thèmes de la tragédie : la quête de la connaissance, le désir de jouissance, la nature du Mal, la question du « pari » et du « pacte » avec les puissances maléfiques et alchimiques, l’accomplissement individuel.

La peinture baroque de Gérard Garouste, tour à tour inquiétante et joyeuse, se peuple de variations sur les différents protagonistes — Faust, Méphistophélès, Marguerite, les sorcières —  et d’un bestiaire fantastique — singes et guenon, bouc émissaire, cochon destrier. Comme dans ses expositions précédentes, le peintre emprunte le visage de proches pour incarner les différents personnages. L’exposition offre également une place de choix à la pratique sculpturale de Gérard Garouste, qui a repris le chemin des ateliers de fonderie délaissés depuis les années 1990.

Vernissage jeudi 8 septembre, 17h / 20h30

Galerie Daniel Templon

30 rue Beaubourg

75 003 Paris

Tél : +33 (0) 1 42 72 14 10

Fax : +33 (0) 1 42 77 45 36

info@danieltemplon.fr

Du lundi au samedi : 10h / 19h

L’exposition intitulée Une Histoire Naturelle — titre inspiré par les fréquentes visites de Wilmering au Museum national d’Histoire naturelle durant son séjour à Paris — propose un panorama des œuvres que Luuk Wilmering a réalisées ces douze dernières années.

Installations, collages, photographies, dessins, peintures, mais aussi livres d’artistes. Luuk Wilmering étudie sans répit, et non sans humour, son identité personnelle et sa propre position en tant qu’homme et artiste. L’effet miroir entre l’artiste et son public constitue un élément important dans l’œuvre de Wilmering.

Vernissage Mercredi 7 septembre, 18h / 20h30

Institut Néerlandais
Centre culturel des Pays-Bas
121, rue de Lille, 75007 Paris
téléphone: + 33 1 53 59 12 40
télécopie: + 33 1 45 56 00 77
e-mail: info@institutneerlandais.com

Fin de partie de Samuel Beckett est l’histoire inintéressante de quatre personnages qui s’ennuient à mourir dans une maison perdue Dieu sait où. Hamm est une espèce de poète-tyran, aveugle et paraplégique. Il exploite son valet Clov, qui hésite à fuir mais ne part jamais. Les parents de Hamm quant à eux habitent les poubelles de la maison et apparaissent de temps à autre avant de mourir mystérieusement.

Beckett, avec d’autres, a participé au chamboulement des conventions du théâtre (au sens de drame). Ici il n’y a pas de progression dans l’intrigue, tout est joué d’avance. Il n’y a pas vraiment de surprises et les rares accidents sont anecdotiques. « Il y a un tas de mots mais il n’y a pas de drame » écrivait Beckett à propos de sa pièce. Si vous ne connaissez pas Beckett c’est l’occasion de découvrir sa façon si singulière de concevoir le théâtre.

Les amateurs de Beckett ont tout autant intérêt à aller voir la pièce qui est un petit bijou. Françon extrait du texte une farce terrible, noire et drôle. Comme chez Ionesco, avec le personnage final de sa pièce Les chaises qui est incapable de s’exprimer ; chez Beckett il y a cette joute verbale inutile et sans conséquences. Et pourtant si Fin de partie n’est pas une histoire au sens courant du terme, cette petite comédie humaine ne laisse pas indifférent.

Quoiqu’il en soit je ne peux que vous recommander de courir au théâtre de la Madeleine. Vous avez jusqu’au 17 juillet 2011.

FIN DE PARTIE

de Samuel Beckett

avec Jean-Quentin Châtelain, Serge Merlin

Michel Robin, Isabelle Sadoyan

Mise en scène Alain Françon

Décor et Costumes Jacques Gabel, Lumières Joël Hourbeigt

Représentations : 21h du mardi au samedi, 16h le dimanche

Prix des places : de 15 € à 36 €, et 10 € (- de 26 ans sur toutes les représentations)

Réservations : 01 42 65 07 09   ou   0 892 68 36 22 (0.34€ /mn)

www.theatremadeleine.com ou fnac.com

Venir au Théâtre : Métro Madeleine (L 8/12/14), Bus 32-42-45-94-24, Parking Madeleine.